Les 25 meilleures séquences de génériques de films pour vous mettre dans l'ambiance des films

(Crédit image : Searchlight/Eon/Warner Bros.)





Si le film est l'entrée, le générique est l'entrée et le dessert. Ces morceaux savoureux conçus pour mettre fin à l'action principale sont des éléments essentiels du film dans son ensemble. Les meilleures séquences de crédit de film donnent le ton et établissent le style de ce qui va arriver, vous donnant un aperçu du long métrage qui est sur le point de se dérouler, sans dévoiler tous ses secrets. Certains se délectent de la magie technique qui vous ferait tourner la tête, d'autres adoptent une approche plus simple et artisanale, tandis que d'autres sont heureux d'utiliser ce temps pour faire tourner les outtakes, les gags et les bêtises générales.

Il n'y a pas qu'une seule façon de créer une séquence de crédits époustouflante, les graphistes au fil des décennies adoptant une multitude de techniques différentes. Les créateurs antérieurs ont choisi d'utiliser des effets pratiques, tandis que les conceptions plus modernes s'appuient à la fois sur un mélange d'effets physiques et générés par ordinateur. Quel que soit le support ou la durée, les produits finaux des séquences de crédit de film suivantes sont vraiment quelque chose à célébrer.

25. Zombieland (2009)

Les apocalypses dans les films sont rarement des affaires joyeuses. Vous ne penseriez pas que sur la base de la bêtise de l'ouverture de Zombieland, où nous sommes présentés au personnage de Jesse Eisenberg, Columbus, alors qu'il parcourt les règles essentielles pour survivre à l'apocalypse zombie. Ce montage macabre coupe au générique proprement dit, où le réalisateur Ruben Fleischer prend la licence artistique ultime pour nous préparer à la zomédie éclaboussée de sang à venir.



Réalisée à l'aide d'un appareil photo numérique Phantom, idéal pour la photographie au ralenti, cette séquence capture une multitude de mutilations de zombies dans toute leur gloire sanglante et sanglante. Une introduction appropriée à son monde qui ne manque pas un battement, l'hymne thrash chargé de doom de Metallica For Whom The Bell Tolls cimente encore plus le destin qui attend notre groupe intrépide.

24. juin (2007)

Un grand nombre de composants entrent dans chaque séquence de crédit de film. Pour Juno, tout ce lot était en fait 900 photos d'Ellen Page prises par l'équipe de conception mari et femme, Smith & Lee. La paire a ensuite imprimé, tracé à la main et colorisé des copies xéroxées de ces photos, avant découper chacun individuellement . Cela fait 900 photos, juste au cas où vous auriez oublié.

Ce travail d'amour, selon le designer Gareth Smith, nécessitait une patience surnaturelle, et leur dévouement a porté ses fruits, faisant des titres une partie intégrante de l'expérience cinématographique. Le moment apparemment simple suit Juno MacGuff alors qu'elle se promène de sa maison au dépanneur sur la bande-son des croonings acoustiques scintillants de Kimya Dawson. Cela correspond parfaitement au personnage de Juno, un adolescent excentrique et effervescent, il est difficile d'imaginer que le film commence autrement.



23. Le jour de repos de Ferris Bueller (1985)

Le dernier adieu de Ferris est immortalisé dans l'histoire des crédits de films. Au tout, très À la fin du générique, Matthew Broderick apparaît dans sa robe de chambre, s'approche de la caméra et s'adresse directement au public : Vous êtes toujours là ? C'est fini. Rentrer chez soi. Un morceau amusant qui a depuis été usurpé par Deadpool dans * ses * crédits. Tout le monde connaît et – à juste titre – aime ce moment, qui lance la tendance des tags post-film.

Mais n'oublions pas l'or de la comédie qui attend dans le principale générique de fin. Avec Ferris, Cameron, Jeanie et co. tout au carré et satisfait, le reste de la journée continue de se dérouler autour du principal Ed Rooney. Toujours sans sa chaussure, et portant les marques de son altercation avec le chien de la famille Bueller, il tente d'attraper le bus scolaire – car sa voiture a été remorquée auparavant. Il sonne la journée *parfaitement*.

22. Harry Potter et le prisonnier d'Azkaban (2004)

Personne ne regarde un film Harry Potter en anticipant une scène de sexe torride. Et, bien que le générique de fin de la troisième sortie ne déborde pas vraiment d'érotisme - c'est toujours un film de Harry Potter, les amis - ils incluent une touche de méchanceté. Les crédits défilent sur l'écran dans le cadre de la carte du maraudeur, une carte magique que Harry et co. utiliser pour localiser les gens autour de Poudlard.



Alors que diverses empreintes de pas piétinent sur la carte, les téléspectateurs aux yeux d'aigle ont repéré deux paires de pieds entrelacés, les deux faisant face à des directions différentes. Hum. Bien qu'il ait depuis été démystifié en tant que manigance sexy à part entière – apparemment, ce n'était qu'un simple bisou – cela rend ces crédits de clôture un peu plus épicés que d'habitude.

Spider-Man: dans le Spider-Verse (2018)

Le logo de production d'ouverture de Marvel et Columbia glisse frémissant, oscillant entre les styles modernes et rétro. L'oscillation de faux pépin vous permet de savoir qu'il y a quelque chose d'un peu différent à propos de ce Spider-Man ; c'est un clin d'œil effronté aux mondes bégayants du Spider-Verse. C'est juste pour commencer. Le générique commence correctement, en utilisant des ballons de dialogue épineux, pour vous ancrer dans le socle comique, livrant une histoire haletante de Peter Parker.

En un peu moins de dix minutes, la séquence d'ouverture vous permet de vous familiariser avec le personnage, en faisant des clins d'œil au merch douteux de Spidey, des recréations animées de scènes des films d'action réelle, qui incluent bien sûr un coup de coude à l'horrible danse de Spider -Man 3, et mentions de son album de Noël. Plus drôle que n'importe lequel des films Spidey des années 2000, il donne parfaitement le ton pour ce qui va arriver.



20. Wall-E (2008)

Le classique moderne de Pixar qui raconte l'histoire d'un robot sympathique qui erre sur la Terre en rangeant les vestiges d'une civilisation qui a finalement rendu la planète inhabitable. Comme tous les contes animés de Pixar, ce film convient aussi bien aux enfants qu'aux adultes, et son générique final continue l'histoire du film, mêlant l'espoir pour la survie de l'humanité à des œuvres d'art vraiment incroyables.

Présentant le travail du designer Jim Capobianco, l'histoire de la civilisation humaine est racontée à travers un art inspirant qui s'étend de notre passé à notre présent, jusqu'à notre futur. Des peintures rupestres aux œuvres de la Renaissance sont accompagnées de la chanson Down to Earth de Peter Gabriel et Thomas Newman. Cela sonne le film sur une note positive, une tranche claire d'optimisme qui signifie que tout n'est pas perdu pour les humains, nous avons un autre coup.

19. Dr No (1963)

Un homme silhouetté entre dans le cadre. Il se retourne, lève son pistolet et tire sur l'écran. Le sang coule. Il est probable que lorsque vous imaginez une séquence de crédit Bond, vous pensez à ce motif exact. Appelée la séquence du canon du pistolet, car le visuel que nous voyons est l'intérieur d'un 6 mm parfaitement propre, cette ouverture emblématique a été créée par le designer américain Maurice Binder et présentée pour la première fois dans Dr. No. Elle a depuis servi de moment d'ouverture dans la plupart des films Bond produits par Eon.

Les crédits de Dr. No continuent dans leur style clairsemé et rétro, avec une série de cercles colorés qui s'allument et s'éteignent tandis que des silhouettes de femmes aux couleurs fluo défilent autour de l'écran. Beaucoup moins exubérant que les crédits Bond ultérieurs, mais sa simplicité fait des merveilles.

18. Sherlock Holmes (2009)

Sherlock Holmes de Guy Ritchie a réinventé l'image publique du détective fictif, lui offrant des abdominaux et une coupe de cheveux shabby chic. Cela étant, il est juste que pour sa réinvention moderne, Holmes reçoive également un tout nouveau type de séquence de crédit de fin. Loin du défilement standard des noms, le directeur créatif primé aux Emmy Awards, Danny Youst, a dirigé 14 designers créatifs de Prologue Films pour dérouler un récit du film à travers ses derniers instants.

Attrapant des images fixes du film et les réutilisant dans un style victorien blanc cassé, l'encre reflue sur chaque écran dans un gribouillis saignant, au fur et à mesure que les images prennent vie. Avec la partition de Hans Zimmer, le moyen idéal pour envoyer la nouvelle incarnation de Holmes.

17. Le pistolet nu (1988)

Le générique d'ouverture est un bon endroit pour déposer 17 logos de sociétés de production, bien sûr, mais ils sont également une introduction pour préparer le public. Vous pouvez utiliser cet espace pour un gros vidage d'informations, laissant tomber beaucoup de choses importantes à savoir. Certains cinéastes recherchent également des ouvertures élégantes. L'équipe derrière The Naked Gun, cependant, opte pour une approche totalement différente.

Oui, il s'agit de mettre en scène les bouffonneries stupides du lieutenant Frank Drebin, alors que la caméra se trouve au sommet d'une voiture de police, sa lumière clignotante, pour ce qui semble être une patrouille de routine dans une rue animée de la ville. La routine, c'est-à-dire jusqu'à ce que le véhicule monte sur le trottoir, effleure une poignée de piétons puis se dirige vers un lave-auto, dans un vestiaire, sur des montagnes russes avant de finalement s'écraser à travers la vitrine d'un magasin de beignets. Subtil? Pas du tout.

16. L'Homme au bras d'or (1955)

La capacité du légendaire designer Saul Bass à faire correspondre le ton de son générique au film est la raison pour laquelle le cinéaste Otto Preminger l'a embauché 13 fois pour faire les honneurs. Pour L'homme au bras d'or, le film de 1955 basé sur le roman urbain de Nelson Algren sur la dépendance, Bass a choisi de garder les choses clairsemées.

Une série de barres blanches sur fond noir apparaît à l'écran, synchronisée avec la partition de jazz d'Elmer Bernstein. Les graphismes s'assemblent au fil du générique pour former le symbole d'un bras cassé et disjoint. Bass lui-même a déclaré son intention de refléter le sujet de la solitude de l'histoire sans devenir trop sombre. Aujourd'hui, ce style inimitable reste cool sans effort, un signe en soi que le film que vous êtes sur le point de regarder va être quelque chose .

15. Entrez dans le vide (2009)

Regarder le générique d'ouverture de Enter the Void de Gaspar Noe est une expérience. Une expérience, pourrait-on dire, qui s'apparente à entrer dans le vide . Ils sont une tentative de redéfinir la séquence de crédit d'une manière tout à fait unique. Parce que, vraiment, quand on peut à peine lire les mots à l'écran : à quoi servent-ils même eux ? Simple. Pour vous plonger dans un monde déconcertant de violence à fleur de peau.

L'intrigue suit un trafiquant de drogue américain tué par des flics à Tokyo, et cette séquence d'ouverture existe pour vous préparer apparemment à la prise sans compromis de Noe sur cette prémisse. Les lumières stroboscopiques s'allument et s'éteignent à chaque bloc de crédits, accompagnées de la pulsation de Freak de LFO, faisant frire vos synapses. C’est une sensation inconfortable qui est entièrement intentionnelle.

14. La Panthère rose (1963)

Alors que le câlin criminel de Blake Edwards en 1963 est moyen, il présente un tour de Peter Sellers en tant qu'inspecteur Clouseau, un détective maladroit chargé de localiser The Phantom, un voleur de bijoux à la poursuite d'un diamant défectueux surnommé une «panthère rose». Pour la séquence de générique d'ouverture stellaire du film, le légendaire dessinateur Friz Freleng, connu pour son travail chez Warner Bros.

La panthère rose fait des farces, fait des gaffes et fait généralement le clown, le tout sur l'air de la signature d'Henry Mancini. Le personnage s'est avéré être un tel succès dans cette séquence d'ouverture qu'il a ensuite joué dans ses propres émissions de télévision et a figuré dans tous les films.

13. C'est un monde fou, fou, fou, fou (1963)

Pour dire que son style de marque est clairsemé, frugal et au point, c'est facilement l'une des séquences de crédit les plus longues et les plus détaillées de Saul Bass. It's A Mad, Mad, Mad, Mad World s'ouvre sur un globe simplement dessiné, autour duquel émergent une série de gags visuels amusants. Une main aux gros doigts entre dans le cadre pour scier le globe, en tirant un bloc de crédit, encore une fois, il semble dérouler la sphère avec une clé pour en extraire une autre. Puis une poule arrive.

Couplé avec le thème musical frénétique d'Ernest Gold, la frénésie encombrée de graphismes typographiques et de croquis amusants ajoute une touche de couleur à ce mélange d'idées au hasard. C'est un concept simple qui est parfaitement exécuté pour correspondre au titre du film comme un moyen de suggérer à quel point le monde est vraiment dingue.

12. Deadpool (2016)

Considérant le personnage de Deadpool sur la page comme un farceur méta-obsédé, il n'y avait aucune chance que le générique de son film de longue date ne canalise pas cette influence. Une bataille d'armes à feu sur l'autoroute entre le héros titulaire et une voiture de brutes voyous va rapidement de côté pour les méchants. Au moment de leur disparition, la caméra se déplace lentement à travers le véhicule de carénage, révélant de près les dommages infligés aux escrocs, ainsi qu'un exemplaire du magazine People déclarant Ryan Reynolds l'homme le plus sexy du monde. Les crédits se déroulent sur cet instantané ensanglanté.

Même les titres eux-mêmes prennent des photos des acteurs et de l'équipe, répertoriant le réalisateur Tim Miller comme un outil surpayé et le leader Reynolds comme l'idiot parfait de Dieu. Une introduction en pointe à Deadpool.

11. Veilleurs (2009)

Le roman graphique classique d'Alan Moore et Dave Gibbon a reçu son premier traitement à l'écran en 2009 avec l'adaptation en long métrage de Zack Snyder. Avec une durée de trois heures, ce temps d'exécution n'était toujours pas suffisant pour donner au public la trame de fond requise, menant à cette séquence de crédit d'ouverture superbement conçue par Neil Huxley.

Se déroulant dans un glorieux ralenti sur le temps de Bob Dylan’s They Are A’changin, il retrace l’ascension du groupe de super-héros de leur ancien surnom, les Minutemen, au Watchman. Au fil des années, nous avons été témoins de leur implication dans plusieurs moments historiques clés : la Seconde Guerre mondiale, le Vietnam, l'assassinat de JFK, pour n'en citer que quelques-uns. Cela fonctionne comme un rattrapage rapide pour les nouveaux venus dans le matériel et donne le ton pour le film à venir.

10. Les Amberson magnifiques (1942)

(Crédit image : RKO Radio Pictures)

Le deuxième long métrage d'Orson Welles, son mélodrame emblématique The Magnificent Ambersons, a acquis une notoriété pour de nombreuses raisons – sa production troublée et ses interférences en studio – mais aucune n'est plus intéressante que son générique final. Au lieu d'incorporer un appel nominal traditionnel, Welles a choisi de présenter au public ses acteurs et son équipe via des crédits parlés.

Dans un bel hommage à ses débuts à la radio, alors que le dernier plan s'estompe, la voix de baryton de Welles traverse les personnes impliquées dans la production; pendant une fraction de seconde, leur visage apparaît à l'écran ou l'équipement qu'ils ont utilisé apparaît. Comme beaucoup de choix de Welles, c'est un choix inhabituel, qui se démarque considérablement même s'il a reçu beaucoup de critiques à l'époque.

9. Bébé conducteur (2017)

Edgar Wright a passé des décennies à comploter Baby Driver, une histoire de braquage racontée du point de vue du chauffeur obsédé par la musique. La séquence de générique d'ouverture démarre immédiatement après une scène de poursuite de six minutes, où nous suivons le jeune movin'-and-groovin' d'Ansel Elgort dans la rue au son du Harlem Shuffle.

Mais ce n'est pas la meilleure partie: le style ludique de Wright peint les paroles de la chanson tout autour de Baby pendant qu'il se pavane. Ils apparaissent sur les arbres, dans le ciel et sur la signalisation. Sautant avec grâce et sans effort pour éviter les passants, le voyage de Baby pour attraper un café avec ses co-conspirateurs est plus qu'une simple caméra le traquant pendant que le générique apparaît. Wright transforme ce moment décontracté en un moment que nous pouvons tous reconnaître : marcher dans la rue, écouter notre chanson préférée, se sentir imparable.

8. Attrape-moi si tu peux (2002)

Curieusement, le générique d'ouverture de Catch Me If You Can n'a pas été conçu par Saul Bass. Cette chansonnette d'ouverture de la comédie policière de Spielberg est un hommage glorieux aux graphistes des années 50 et 60, alors que le cinéaste a demandé aux designers français Kuntzel et Deygas de produire une séquence générique directement influencée par cette époque. Et ils ne déçoivent pas. Les lignes rebondissent dans et hors du cadre, aux côtés de blocs colorés géants, se déplaçant dans le temps avec l'ouverture cool et douce de la partition inspirée du jazz de John Williams.

Fidèle à l'esprit général de l'adaptation de Spielberg, une mélodie légère accompagne une découpe du personnage de DiCaprio, le charmant escroc, alors qu'il se fraye un chemin à travers scène après scène poursuivi par un policier. Un petit film en soi, c'est la préparation parfaite pour l'un des films les plus sous-estimés de Spielberg.

7. Club de combat (1999)

Le générique d'ouverture grandiose de Fight Club par Digital Domain a été conçu pour aliéner délibérément le public. Les jabs du score frénétique de The Dust Brothers ainsi que le visuel de course de la caméra chassant une pensée à travers le tronc cérébral du narrateur ne sont pas chaleureux et flous. Ces crédits dérangent. C'est le but.

Le premier plan provient du centre de la peur du narrateur, s'aventurant vers l'extérieur alors que l'équipe du domaine numérique utilise un CGI à la pointe de la technologie pour cartographier le cerveau humain de la même manière que vous le feriez pour un arbre. Alors que la caméra slalome autour des synapses, des éclairs de neurones se déclenchent, les choses deviennent de plus en plus vertigineuses, culminant dans la rétraction le long de la crête sale et huileuse d'un Smith et Wesson. Avant même de vous en rendre compte, vous avez déjà été initié à l'étrange fonctionnement interne du Narrateur.

6. Le brillant (1980)

Parfois, l'option la plus simple atterrit avec le plus grand impact. Pour The Shining, le penchant de Kubrick pour les prises longues et ininterrompues renonce aux cloches et aux sifflets et maintient des ambiances constantes, tout comme le générique d'ouverture. D'une vue d'aigle, la caméra plane au-dessus de la voiture des Torrances alors qu'elle serpente le long de la route, se faufilant à travers des rochers et des sapins enneigés, passant par un lac scintillant, révélant une touche de cime d'arbre à feuilles persistantes ici et là, c'est comme s'ils sont lentement engloutis par quelque chose d'invisible sur leur chemin vers l'hôtel Overlook.

Alors que la caméra monte encore plus haut, le véhicule familial est à peine visible, avalé par la nature alors qu'il attend son sort. Sur ses seuls visuels, The Shining gagne de sérieux points pour son générique d'ouverture, qui atterrit fermement dans le royaume de l'étrange comme l'enfer, mais la cerise sur le gâteau de ce sinistre dimanche est le score : basé sur un chant grégorien du XIIIe siècle, Le thème réticent de Carlos et Elklund est l'accompagnement parfait de l'entrée des Torrances dans un destin isolé.

5. Seigneur de guerre (2005)

Sans doute l'un des meilleurs rôles de Nicolas Cage au cours des vingt dernières années, cet acteur plonge dans le monde des marchands d'armes dès le départ. Le parcours d'une balle, de ses origines à son objectif final lorsqu'elle tire du canon d'une arme à feu, est relaté dans cette séquence unique et autonome.

S'inspirant d'un jeu de tir à la première personne, la caméra s'accroche au sommet d'une balle, retraçant tout son cycle de vie, depuis sa création dans une usine, jusqu'à son transport dans un conteneur d'expédition jusqu'aux mains de un gang, c'est une séquence vraiment fascinante qui est d'autant plus percutante que For What It's Worth de Buffalo Springfield joue au-dessus. C'est certainement une façon d'utiliser au maximum les crédits de deux minutes. Non seulement il s'agit d'une création visuellement dynamique, mais c'est aussi une façon créative d'intégrer une exposition supplémentaire dans le film - sans qu'elle soit gérée via un dialogue maladroit.

4. Vertige (1958)

Les crédits apparaissent sur un gros plan du visage effrayé de Kim Novak, alors que ses yeux passent d'un côté à l'autre. Le titre du film émerge de sa pupille, rapidement poursuivie par des images spirographiques, tourbillonnant vers l'extérieur. Les titres s'étendent sur le cadre, tandis qu'une masse psychédélique descendante inonde l'écran. Tendue, magistralement coupée et tout à fait énervante, l'ouverture distincte du Vertigo d'Hitchcock est, tout simplement : une humeur.

Le travail manuel minimaliste traditionnel de Saul Bass associe l'imagerie de John Witney à la partition inquiétante de Bernard Hermann, préparant parfaitement le terrain pour le long métrage plein de suspense. Il n'est pas surprenant que cette séquence continue de générer des discussions sur ce que les crédits peuvent réaliser, soit comme échauffement pour l'acte principal, soit comme un chef-d'œuvre cinématographique.

3. Sept (1995)

Crédité d'un regain d'intérêt pour l'art de la conception de crédit, le thriller sombre et sombre du milieu des années 90 de David Fincher avait besoin de crédits sombres et sombres. Entre : Kyle Cooper. Le concepteur chargé de cette tâche s'est tourné vers des tueurs en série réels pour trouver l'inspiration. Notamment les habitudes méticuleuses qui composent leur quotidien. Cooper a consulté Fincher afin d'utiliser les accessoires du film utilisés par John Doe dans ses préparatifs écœurants.

La bande originale remixe 'Closer' de Nine Inch Nail en une tache frénétique et troublante de dissonances saccadées, qui, bien qu'elles soient inconfortables à écouter, créent l'ambiance exacte nécessaire pour transporter le public dans le monde de la déviance méthodique de Doe. Vous pouvez vous tourner vers des séquences de crédit d'horreur modernes pour voir l'influence durable de Cooper.

2. Nord par nord-ouest (1959)

Les lignes s'insinuent dans le cadre, finissant par fusionner pour former un gratte-ciel. Les noms apparaissent dans une police de caractères en bloc, zoomant sur l'écran, le premier exemple d'une telle typographie cinétique à être utilisé dans une séquence de crédits. Dès la première seconde : il ne fait aucun doute que Saul Bass a conçu cette séquence emblématique. C'est simple, c'est au point, et ça se synchronise magnifiquement avec le film qu'il précède.

La basse était une référence naturelle pour Alfred Hitchcock, qui a engagé le designer minimaliste pour créer le générique d'ouverture de North by Northwest à la suite de son travail de l'année précédente sur Vertigo. Son œuvre, jumelée à la partition itinérante de Bernard Hermann, fait ressortir cette séquence, alors qu'une grille de lignes entrecroisées pose les bases de l'histoire à venir.

1. Doigt d'or (1964)

Une autre entrée de Bond qui est depuis longtemps considérée comme l'étalon-or des séquences de crédits. Créé par Robert Brownjohn, le début dynamique de Goldfinger est un cracker qui a remporté un British Design and Art Direction Gold Award et a continué à apparaître comme une installation du MOMA en 2012.

Ce n'est pas votre séquence de titre typique; c'est visuellement époustouflant et il comporte une mélodie à couper le souffle. Réunis, ces éléments créent une ambiance qui prépare le public à ce qui va arriver, fournissant un échantillon du mystère, de l'action et du suspense de Goldfinger. Des images des précédents films Bond sont collées et projetées sur le corps de l'actrice Margaret Nolan, tandis que Shirley Bassey dévoile le thème désormais emblématique du film.